ENTREVISTA EXCLUSIVA

La vocalista brasileña y compositora nominada al Grammy, Luciana Souza, es reconocida por su distintiva fusión de jazz, música brasileña y poesía, desarrollando un estilo propio que trasciende géneros.

Nacida en São Paulo, Brasil, Souza creció en una familia de músicos y comenzó su extensa carrera discográfica a los tres años, marcando desde muy temprano su camino en las artes como vocación de vida.

La artista se formó en algunas de las instituciones más prestigiosas de Estados Unidos, como el New England Conservatory of Music y Berklee College of Music, donde posteriormente fue profesora durante cuatro años.

Desde obras comerciales hasta grabaciones conceptuales y multiculturales, algunos de sus proyectos más importantes y aclamados incluyen “Brazilian Duos”, “North and South”, “Tide”, “The Book of Chet”, “The New Bossa Nova”, “The Book of Longing”, “Storytellers”, “Cometa”, y “Twenty-Four Short Musical Episodes”.

A lo largo de su recorrido, ha colaborado con figuras clave como Herbie Hancock, Paul Simon, James Taylor, Bobby McFerrin, Maria Schneider, Romero Lubambo, la New York Philharmonic, la WDR Big Band y Osvaldo Golijov, y muchas mas.

Con una trayectoria innovadora y experimental, Souza es siete veces nominada al Grammy, ha sido reconocida por organizaciones como la Jazz Journalists Association como Mejor Vocalista de Jazz Femenina, ha aparecido en la portada de DownBeat, ha participado en NPR Tiny Desk Concerts y recibió la beca New Jazz Works de Chamber Music America.

También forma parte de la junta directiva de la BMI Foundation y es miembro de NARAS. Actualmente continúa compartiendo su conocimiento y experiencia con estudiantes de todo el mundo, habiendo enseñado en instituciones como USC Thornton School of Music, Manhattan School of Music, UCLA Herb Alpert School of Music, California Institute of the Arts y Massachusetts Institute of Technology, entre otras.

Además, Souza se presenta regularmente en escenarios internacionales junto a orquestas, big bands y como solista en gira, incluyendo ahora una presentación en Nueva York del 20 al 24 de mayo en el Smoke Jazz Club.

En una entrevista exclusiva con Impacto Latino, Souza compartió más detalles sobre su evolución como artista y sus proyectos más recientes y destacados.

¿Hubo un momento en el que supiste que querías dedicarte al arte?

No sé si profesionalmente sabía que quería hacerlo, pero sí supe desde muy pequeña que no podía vivir sin la música. Me siento realmente conectada cuando hago música, conmigo misma, con los músicos, con la comunidad y con el público. Para mí es como jugar. Es físico, es espiritual, y es mental.

¿Recuerdas cómo se sentía empezar a grabar desde tan pequeña?

Mi casa siempre estaba llena de músicos, así que todos cantaban y tocaban. Había muchos instrumentos por todos lados. No fue algo impuesto. Nadie me dijo que tenía que hacerlo. Simplemente fue algo muy orgánico. Mi papá era famoso por estar siempre con una guitarra en los brazos cantando. Mis padres estaban en la industria y simplemente se sentía como la cosa más natural del mundo.

Tu música ahora mezcla jazz, sonidos brasileños y poesía. ¿Cómo creaste esa fusión? Creo que es un proceso, una evolución. Para mí, mientras crecía, mi mamá era poeta, letrista y escritora, así que esa parte siempre estuvo presente en la casa. Luego estaba mi papá tocando la guitarra y cantando. Yo quería la libertad del jazz. Pero, quería convertirme en una música instruida, alguien que supiera cómo comunicarse en este lenguaje con otros músicos. Así que todas esas cosas fueron evolucionando poco a poco.

¿Ha habido alguna colaboración que realmente te haya cambiado?
Voy a darte dos ejemplos que creo que fueron realmente fundamentales para mi desarrollo, para mi crecimiento en la música. Uno es un compositor argentino llamado Osvaldo Golijov. Osvaldo es un compositor clásico, pero no un intérprete. Yo soy solista en algunas de sus obras como cantante folk. Creo que ese tipo de ruptura fue muy importante para mí.

Segundo, Hermeto Pascoal, quien es un compositor brasileño y además era mi padrino, un músico instrumental muy importante. Él no escribía música vocal, aunque me incluyó en uno de sus discos y me dio su bendición para cantar música sin palabras. Él me recordó algo, que la música se “juega”. En portugués, la palabra es “tocar”, que significa tener un contacto. En inglés, la palabra “play” significa jugar. Entonces, tienes que tener ese espíritu de aventura. Muchísimas personas me han impulsado en mi carrera.

¿Qué estás explorando creativamente ahora mismo en tu carrera?
Hace apenas dos días estrené un nuevo proyecto con un guitarrista de Brasil llamado Marcel Camargo y un cuarteto de cuerdas. Es completamente brasileño, pero no únicamente brasileño.

Hay una pieza de Duke Ellington que arreglamos, música de Simón Díaz de Venezuela, y algo de poesía integrada. Siempre estoy diciendo las mismas cosas pero de maneras un poco distintas. Para mí, la poesía es una ventana hacia la introspección. Siento que también hablo mucho de lo ruidoso que es el mundo, pero también amo los momentos silenciosos y el espacio para reflexionar y permitir que tu mente sienta cosas. Así que, para mí, la poesía es esa puerta de entrada, y la música es este lenguaje que no necesita ninguna explicación.

Tocas algo o escuchas algo, e inmediatamente te conecta con una parte más profunda de ti mismo. Cuéntanos sobre tu show en Smoke Jazz Club en Nueva York.

Con un guitarrista y un percusionista, es una música muy transparente, muy comunicativa e interactiva. Todos venimos de la misma ciudad. Es simplemente un momento alegre, divertido, aventurero y hermoso. Así me siento cada vez que toco con ellos. Seguimos viajando a través de diferentes momentos. Siento que refleja muchísimo la cultura brasileña porque podemos ser muy profundos y sentimentales, y también podemos estar jugando voleibol en la playa hasta las 8PM. Creo que eso es lo que intentamos hacer cuando tocamos esta música.