ENTREVISTA EXCLUSIVA

La trabajadora cultural, artista y curadora mexicoamericana Raquel Du Toit fue recientemente nombrada nueva directora ejecutiva de Dance/NYC, la principal organización de servicios para la comunidad de la danza en la ciudad de Nueva York, marcando el inicio de una etapa nueva y transformadora.

Al liderar su Plan Estratégico a Cinco Años, busca ofrecer sostenibilidad, colectividad y un sistema de apoyo para todos los trabajadores de la danza en Nueva York, con un enfoque especial en las poblaciones marginadas.

Desde su propia experiencia, Du Toit entiende de primera mano cómo sostener una visión creativa mientras se lidera con estrategia, uniendo ambos mundos para apoyar a las comunidades artísticas más vulnerables.

Con una Maestría en Bellas Artes en Fotografía del Pratt Institute y una Licenciatura en Bellas Artes en Artes Fotográficas y Estudios de la Mujer de Pacific Lutheran University, su obra visual ha sido presentada en espacios icónicos de Nueva York, Chicago, Detroit, Ciudad de México, Londres y Berlín.

A lo largo de los años, ha desarrollado programas innovadores para una variedad de organizaciones culturales sin fines de lucro, museos y galerías, incluyendo una residencia internacional para mujeres artistas, un programa de fotografía para niñas indígenas en Chiapas y diversas iniciativas de educación artística virtual durante la pandemia.

Más recientemente, en un rol de liderazgo financiero en The Kitchen, una institución experimental dedicada a la práctica centrada en los artistas, logró asegurar más de tres millones de dólares en apoyo gubernamental y de fundaciones.

En una entrevista exclusiva con Impacto Latino, Du Toit compartió más detalles sobre su evolución como líder y sus próximos pasos con Dance/NYC.

¿Cuál fue el primer momento que te relacionaste con el arte?
-Siempre me sentí atraída por el arte y la creación de movimiento. Cuando estaba aprendiendo a leer y escribir, hacía pequeñas revistas a mano para mi mamá. Me disfrazaba y montaba presentaciones para mi familia en el patio trasero. Creaba mundos completos para mis muñecas usando hojas de plátano y flores de hibisco.

La creatividad no era algo adicional en mi vida; era la manera en que entendía el mundo. Al crecer en México, la danza también fue fundamental. El jarabe tapatío era obligatorio en la secundaria, y el movimiento se entendía como un conocimiento cultural esencial.

¿Como trabajadora cultural y artista, cómo crees que esa experiencia moldea tu perspectiva del liderazgo?
-Yo he desempeñado prácticamente todos los roles posibles dentro de una organización de arte, y le he dado una comprensión profunda al trabajo. He visto el tiempo que se requiere para cada puesto.

Esta experiencia me ha definido como un líder. Pongo en el centro la rendición de cuentas, la transparencia y el cuidado mutuo, porque conozco de primera mano cuánto dependen las organizaciones de las personas que hacen el trabajo. Para mí, el liderazgo no es jerárquico; es relacional. Se trata de apoyar al personal, a los artistas y a las comunidades de formas humanas, éticas y sostenibles.

¿Qué significa para ti la sostenibilidad dentro de un sistema artístico?
-Sostenibilidad significa poder pagar mis cuentas a tiempo y aun así recoger a mi hijo de la escuela después de clases. Significa que, si me enfermo, puedo llamar a un médico. También significa tener el tiempo y la capacidad de salir y dejarme inspirar por los artistas y trabajadores de la danza a quienes apoyamos. No creo que el agotamiento sea inevitable.

Cuando abordamos este trabajo con límites personales claros y desde una visión de abundancia, podemos diseñar sistemas que sostengan vidas plenas, no solo la supervivencia. La sostenibilidad consiste en crear condiciones para que artistas y trabajadores culturales prosperen, no solo resistan.

¿Qué aprendizajes de tu experiencia en The Kitchen estás trayendo contigo a este nuevo rol?
-Comunidad, por encima de todo. Aprendí que el apoyo financiero sostenible surge de alianzas profundas con otras organizaciones, del desarrollo compartido de recursos y conocimientos, y de la creación de relaciones auténticas y a largo plazo con personas que eventualmente se convierten en miembros de junta, donantes y aliadas.

La recaudación de fondos no es transaccional. Cuando se construye comunidad, se genera confianza, y la confianza es la base de una filantropía significativa.

¿Qué es lo más determinante o crucial para ti en este momento para Dance/NYC?
-Yo quiero buscar qué podemos hacer, especialmente en lo relacionado con el trabajo y los derechos laborales de las personas que trabajan en la danza, porque ahorita la danza es un sector económicamente frágil. Se está aumentando la renta, hemos perdido espacios de ensayo, y hay ataques de acceso a la salud. Nosotros como trabajadores de la danza, necesitamos nuestro cuerpo.

Como organización de servicio, Dance/NYC tiene la responsabilidad de defender a las y los trabajadores de la danza y de desarrollar estrategias que sostengan sus vidas cotidianas.

Este momento exige una defensa firme y soluciones prácticas basadas en el cuidado.

¿Qué es lo que más te entusiasma de este nuevo plan estratégico de cinco años y cómo te imaginas que se verá?

-Me entusiasma el impacto concreto de nuestra labor. Programas como el Dance Workforce Resilience Fund otorgan microbecas directamente a artistas independientes, mientras que el Programa de Subsidio de Espacios de Ensayo responde a una de las necesidades más urgentes: el acceso a espacios de ensayo asequibles. Este trabajo sienta las bases para que la danza sea reconocida como una fuerza cultural justa, sostenible y accesible, y para que las personas trabajadoras de la danza contribuyan de manera poderosa a la vida pública, la educación, y la sociedad en su conjunto.

Si pudieras volver atrás y darte un consejo a ti misma, cuál sería?
-Tómate el tiempo. Tiempo para soñar. Tiempo para bailar. Tiempo para descansar.